Vêtements

Mode, tissus et queues de poisson – pourquoi nous devons parler de ce que portent les interprètes classiques féminines | Musique classique

LEn novembre dernier, la pianiste et universitaire Dr Samantha Ege a donné un récital d’œuvres de Florence Price, Margaret Bonds et Vítězslava Kaprálová au Milton Court Concert Hall. C’est une musique rarement entendue sur les scènes britanniques, et les critiques ont salué « l’attrait émotionnel de ces œuvres », tandis qu’Ege a été félicitée pour ses « performances finement affûtées nées d’études et d’analyses approfondies.

Ce qu’aucun n’a mentionné, cependant, était la tenue d’Ege. Elle était rayonnante dans ce qu’elle m’a décrit comme “une robe en queue de poisson rouge discrète, influencée par les styles ouest-africains”. Le corsage était pincé à la taille avec une ceinture appliquée personnalisée qui scintillait sous les projecteurs, soulignant des notes d’argent dans les grands tourbillons ressemblant à des ammonites recouvrant le tissu.

Samantha Ege se produisant à Milton Court en novembre 2021.
“Je pense aux couleurs et aux humeurs” Samantha Ege se produisant à Milton Court en novembre 2021. Photographie : Mark Allan/Mark Allan/Barbican

Pour Ege, comme pour beaucoup d’autres solistes, ses tenues sont une partie importante de sa performance. “Cela me donne encore plus l’occasion de m’exprimer”, dit-elle. “Je pense aux couleurs et aux humeurs, et à ce que celles-ci feront ressentir à moi et au public.” Sa robe, dessinée par MADKollection, a été spécialement choisie pour ce programme Barbican. « L’antiquité et la modernité… convergent dans le design, qui parle fortement des thèmes de ma recherche et de mon répertoire. Je défends la musique pour piano de la Renaissance noire, une époque qui reflétait les thèmes de la renaissance culturelle tout en rendant hommage au passé, mais avec une touche afrocentrique. Cela résume bien ma relation avec la tenue de concert !

Le saxophoniste Jess Gillam a également un style de concert distinctif, dominé par des métaux, des combinaisons de couleurs saisissantes et des imprimés audacieux. “J’aime essayer d’apporter un sentiment de joie à un public”, déclare Gillam. “Ce que je porte en tant qu’interprète en fait partie.” Elle choisit des tenues avec lesquelles elle se sent à l’aise et confiante. “La plupart de la musique que je joue consiste à exprimer une émotion ou un récit écrit par quelqu’un d’autre… un niveau d’authenticité est nécessaire pour établir cette connexion.”

Parler de vêtements est un peu tabou dans la musique classique, pour les interprètes comme pour les critiques. « La plupart des musiciens n’ont pas l’impression de pouvoir en parler », déclare Jocelyn Lightfoot, directeur général du London Chamber Orchestra. La tenue de concert est controversée pour une foule de raisons qui se chevauchent. Il y a l’idée bien ancrée que les musiciens classiques sont censés être entendus et non vus – comme l’a dit le critique du XIXe siècle ETA Hoffmann : “L’artiste authentique ne vit que pour l’œuvre… Il ne fait en aucun cas compter sa personnalité”. Dans cet idéal de performance, la personnalité de l’interprète – exprimée à travers son choix vestimentaire – est excisée, s’en remettant à « la musique elle-même ».

Les musiciens qui sortent de la norme dans leurs choix vestimentaires ont donc fait l’objet de critiques sévères – en particulier lorsqu’ils font n’importe quel type de croisement avec la pop, suscitant des plaintes de “dumbing down”. Mais au moins une partie de la controverse entourant des artistes comme le violoniste Nigel Kennedy, avec ses jeans et ses cheveux hérissés, est qu’ils nous rappellent que la musique live est un support visuel. Nous n’entendons pas seulement – nous voyons des musiciens jouer.

Jess Gillam se produit lors des BBC Proms in the Park à Hyde Park le 8 septembre 2018 à Londres.
Jess Gillam se produit aux BBC Proms in the Park à Hyde Park en septembre 2018 à Londres. Photographie : Jo Hale/Redferns

Pour les femmes, les enjeux de leurs choix vestimentaires sont considérablement plus élevés car les femmes sont plus fréquemment sexualisées que leurs homologues masculins. Alors que les vêtements informels de Kennedy ont été critiqués par certains comme “ridicules”, la fureur autour de la pianiste Yuja Wang trahit ce double standard. Autant d’encre a coulé sur les ourlets de Wang que sur son jeu – et à quelques exceptions près, les commentaires se sont concentrés sur la façon dont ses robes sont “courtes et serrées”.

Le problème n’est pas que les critiques parlent des vêtements de Wang. C’est qu’en voyant tout ce qu’elle porte à travers une lentille sexualisée, ils la présentent d’abord comme un objet sexuel et ensuite comme une artiste. Il n’y a pas de place dans cette vision du monde pour que les vêtements féminins soient à la fois un choix artistique et personnel.

Une partie du problème est peut-être que la mode se situe en dehors de la boîte à outils de la critique classique traditionnelle. “C’est vrai, je suis devenu critique de mode”, a écrit Norman Lebrecht, qui a décrit la tenue de Wang comme “une micro-robe coupée un pouce sous les fesses”. Mais ce récit sexualisé ne pouvait pas être plus éloigné de la critique de la mode. Il nous dit rien sur la robe au-delà de sa longueur. Quels étaient les tissus ? Style? Qui était le concepteur ? Comment le choix vestimentaire a-t-il interagi avec le programme musical ? Le langage et les compétences nécessaires pour répondre à ces questions pourraient devoir faire partie de la boîte à outils du critique moderne – et si les critiques commencent à prendre la mode au sérieux, les agents pourraient être en mesure d’inclure des détails sur les tenues dans les communiqués de presse sans craindre que cela n’ouvre les vannes à des commentaires désobligeants sur les artistes qu’ils représentent.

L’incapacité de parler des vêtements de Wang d’une manière sensible et respectueuse révèle des suppositions préjudiciables et de longue date concernant les femmes et leur tenue vestimentaire sur la scène classique. L’idée que ce que nous voyons pourrait « distraire » de la musique, plutôt que façonner notre expérience de celle-ci, découle d’une division séculaire du corps et de l’esprit, de la physicalité et de la rationalité, qui revendique la musique classique comme une substance purement cérébrale. Le corps n’a pas sa place ici. Et cette idée est sexuée. La rationalité et l’esprit ont été historiquement codés masculins, la sensualité et le corps féminins, avec pour résultat que les femmes et leurs corps ont été marginalisés dans la musique classique. Ce n’est pas un hasard si Hoffmann a utilisé “il” comme valeur par défaut pour son musicien imaginaire.

Jenny Lind, 'Swedish Nightingale' de PT Barnum, c1850.  Artiste : Inconnu.  Image prise en 1955.
Jenny Lind, ‘Swedish Nightingale’ de PT Barnum, vers 1850. Photographie : The Print Collector/Alamy

Cette police des femmes, de leurs vêtements et de leurs corps dans la salle de concert n’a rien de nouveau. Lorsque la compositrice et chef d’orchestre Ruth Gipps s’est présentée à un concert en 1944 vêtue d’une robe de soirée aux couleurs vives, elle a été vertement réprimandée pour cela et informée par la direction de l’orchestre : « Nous ne nous soucions pas de ce genre d’auto-publicité. Gipps fut d’abord étonné, puis furieux. « Quel genre d’endroit était-ce, demanda-t-elle, qui s’attendait à ce qu’une femme ait honte de porter une belle robe ?

C’est une bonne question. Ce récit doit changer, notamment parce que sexualiser ou ignorer les vêtements des femmes diminue leur agence en tant qu’artistes. Les vêtements de Wang ont été rejetés comme une banalité, un stratagème marketing inconsidéré avec des robes choisies uniquement pour qu’elles «montrent plus de jambes» ou non. Et pour ce faire, Wang a été décrit comme un individu naïf et perdu qui n’a « ni le temps ni les conseils pour acquérir une perspective », et est par conséquent utilisé « comme des guirlandes » par des musiciens (masculins) plus expérimentés et experts.

Le déni de l’agence de Wang alimente également les stéréotypes racistes autour de la soumission et de l’inexpressivité des femmes et des musiciens classiques d’origine asiatique – stéréotypes que les choix vestimentaires de Wang perturbent activement. Wang est l’une des artistes classiques les plus importantes d’aujourd’hui, mais l’infantilisation des femmes interprètes est une stratégie séculaire pour diminuer leur statut et leur individualité, contenir et réduire leur autorité potentielle. La soprano du XIXe siècle Jenny Lind, par exemple, était souvent décrite comme « enfantine ». Ces descriptions sont souvent inconfortablement sexualisées, ce qui implique que ces femmes ont besoin d’un homme plus âgé et plus fort pour les guider.

Yuja Wang se produit au Carnegie Hall de New York en 2020.
Yuja Wang se produit au Carnegie Hall de New York en 2020. Photographie : Hiroyuki Ito/Getty Images

Nous devons trouver des façons de parler des vêtements féminins qui les respectent en tant que choix artistiques et partie intégrante de la performance. La tenue vestimentaire devient de plus en plus importante à mesure que les questions de diversité et d’inclusion sont mises au premier plan des programmes des institutions. Le London Chamber Orchestra, par exemple, a récemment supprimé le code vestimentaire pour ses joueurs. Se passer des attentes fortement genrées de la cravate noire revient en partie, selon Lightfoot, à célébrer l’individualité des musiciens de l’orchestre et à créer un espace inclusif pour les musiciens dont “la façon de s’exprimer physiquement ne correspond pas à ce stéréotype de la musique classique”. Mais c’est aussi créer un « miroir entre le public et l’orchestre », tendre la main à ceux « qui ne se sentent pas les bienvenus dans une salle de concert ».

En outre, des médias sociaux a rendu la musique classique « tellement plus visuelle », déclare Maxine Kwok, violoniste au London Symphony Orchestra. Les orchestres et les solistes sont désormais à l’écoute des possibilités de branding qu’il offre, du partage de clips de concerts aux photographies de répétitions en jeans et pulls. Et cela peut, peut-être, être une façon de rendre les musiciens plus accessibles. “Il y a toujours un besoin de moderniser”, et l’utilisation des médias sociaux “ajoute un véritable élément humain”, souligne Kwok, permettant au public de dialoguer avec les musiciens qu’ils voient et entendent sur scène.

Les musiciens sont plus que la musique qu’ils créent. Nous évaluons les décisions créatives et intellectuelles qui entrent dans la programmation – pourquoi pas les vêtements aussi ? Les idées du XIXe siècle sur ce qu’est la musique classique, par qui, pour et à propos de celle-ci ont toutes été bouleversées. Il en va de même pour les idées sur son apparence.

Yuja Wang se produit au Royal Festival Hall de Londres le 20 avril ; Samantha Ege revient pour se produire à Milton Court le 29 novembre 2022.

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